lunes, 7 de julio de 2014

SIRINGA (Flauta de Pan)

Melodía de Gheorge Zamfir  en faluta Pan : http://youtu.be/NNTamOcXwzY  
Entre los instrumentos más antiguos que desarrollaban una melodía se encuentra la siringa hoy conocida como flauta de Pan, en las regiones andinas se encuentra su hermana la zampoña. Pero como nació este instrumento es una historia romántica muy hermosa.                                               Pan era el semidiós de los pastores y rebaños en la mitología griega.  En la mitología romana  se identifica a este dios con Fauno.                                                                                                         Era, también, el dios de la fertilidad y de la sexualidad masculina desenfrenada. Dotado de una gran potencia y apetito sexual, se dedicaba a perseguir por los bosques, en busca de sus favores, a ninfas y muchachos.
El dios Pan se enamoró de la ninfa Siringa, poseedora de una gran belleza  cuando paseaba por los bosques. Un día, Pan la persiguió hasta cercarla en la orilla del río Ladón. Siringa pidió socorro a las náyades, y éstas la transformaron en caña. para así hacerla pasar desapercibida por el semidios, pero Pan se percató de esta situación ya muy tarde sumiéndose en una desesperación tan grande por el amor que había despertado Siringa en él que se sentó a orillas del río a llorarla, pero de repente Pan, al percatarse de que el viento silbaba al pasar por las cañas, supuso que eran los lamentos de la ninfa por él. Decidió cortar una caña y unió los trozos con cera; construyó así su siringa para tocarla cuando la pasión y el deseo lo poseían. Conservada en la caverna de Artemisa después de muerto Pan, se podía comprobar la virginidad de una muchacha con su sonido.
Apolo ofreció el caduceo a Hermes a cambio de que éste le consiguiera la flauta de Pan, la siringa, y se llevó a cabo el intercambio.
(Tomado de apuntes de Wikipedia)

miércoles, 18 de junio de 2014

OIDO ABSOLUTO



El oído absoluto se refiere a la habilidad de identificar una nota por su nombre sin la ayuda de una nota referencial, o ser capaz de producir exactamente una nota solicitada cantando sin ninguna referencia. Esta capacidad está relacionada con la memoria auditiva (la capacidad de recordar ciertos sonidos).
Las personas con oído absoluto muy fino no sólo son capaces de reconocer una nota por su nombre, sino que pueden reconocer cuando la nota está ligeramente más aguda («sobreaguda») o ligeramente más baja (calada o calante) con respecto al sistema de afinación común (basado en el la4 = 440 Hz). Esta habilidad es extremadamente rara.
Algunos músicos con oído absoluto muy fino pueden reconocer si una obra está desafinada con respecto a la afinación común a una distancia de pocos savarts. Un savart es la unidad de afinación, o sea la cantidad de desafinación que puede percibir un oído relativo entrenado, equivale a 4 cents. Un cent es la centésima parte de un semitono (no dividido en partes aritméticamente iguales, sino en partes logarítmicamente iguales).
Una vez me preguntaron mi opinión referente a los grandes compositores, que tenían de diferente a los comunes seres humanos, mas si habían tenido una vida llena de vicisitudes
Podemos citar algunos nombres de músicos conocidos que poseían oído absoluto muy desarrollado como es el caso de Mozart, Paganini, Chopin, Liszt, pero lo que realmente es sorprendente es el caso de Beethoven que además de haber nacido con oído absoluto se le desarrollo una memoria musical extraordinaria, puesto que las notas musicales quedaron para siempre grabadas en su memoria, esta situación fue la que le permitió seguir escribiendo música después de haber quedado completamente sordo a los ruidos exteriores, las notas estaban en su memoria y las podía escribir con una precisión asombrosa sin tener que escucharlas.  Otros músicos con oído absoluto en el ámbito popular fueron Ray Charles, Robbie Williams, Michael Jackson y se podría citar algunos mas.
La situación es que muchas personas nacen con oído absoluto y no lo desarrollan por ignorancia de los padres en este tema y es así como las personas con esta cualidad prefieren dedicarse a la música clásica que es una forma mas técnica y sutil de la música, quienes no tienen un oído muy desarrollado no pueden entender la música y terminan por aborrecerla.  Muchas veces se ha oído el termino de: ”Toca de oído” “No sabe leer música” y consecuentemente interpretan estas personas los temas a la perfección.
Bueno pues este tema me fue consultado en varias oportunidades y aquí les dejo este pequeño resumen.

lunes, 9 de junio de 2014

EL METRONOMO



El metrónomo (del griego μέτρον, metron: ‘medida’, y νόμος, nomos: ‘regla’), es un aparato utilizado para indicar tiempo o compás de las composiciones musicales. Produce regularmente una señal, visual o acústica, que permite a un músico mantener un tiempo constante                                                                                                                                                 La creación de este dispositivo nació de la necesidad de contar con un instrumento que pudiera definir con precisión la velocidad de ejecución de una pieza musical. Antes de su invención, era habitual que los compositores usaran como velocidad de referencia el pulso medio humano, que en estado de reposo equivale aproximadamente a 80 pulsaciones por minuto.                                                                                                                                                                                                          El metrónomo fue inventado en el año 1816 por el holandés Dietrich Nikolaus Winkel quien, a pesar de haber sido el inventor original, no lo registró. Otro compatriota suyo, Johann Maezel, copió muchas de las ideas y logró adjudicarse la patente del metrónomo portátil en el año 1816. Inicialmente, los metrónomos consistían en un péndulo con una polea, la que se podía regular para marcar un tiempo más lento o más rápido según la velocidad requerida.                                                                                                                                              Para definir el ritmo al cual debe ser ejecutada una pieza musical, se establece el tiempo de duración de una nota negra. Si quien escribe la composición desea que el movimiento o tiempo sea de una nota negra por segundo, escribirá en la parte superior de la partitura de la obra la indicación "negra = 60", indicando así el número de negras que deben sonar en un minuto. Esto servirá para ajustar el dispositivo a este valor.                                                                                                                    La mayoría de los estudiantes de música, en la actualidad, usa un metrónomo para la práctica, con el fin de respetar un tiempo estándar. Antiguamente, para establecer los tiempos en una composición se usaban palabras en italiano que indican el tempo como "allegro", "vivace", andante" o "presto", pero esta práctica se ha abandonado en favor de valores más precisos para el ritmo de la ejecución.

EXPRESION ITALIANA
NEGRAS POR MINUTO
Adagio
52-54
Allegretto
96-112
Allegro
113-120
Andante
55-65
Andantino
66-69
Grave
40-43
Larghetto
48-51
Largo
44-47
Moderato
70-95
Prestissimo
176-208
Presto
141-175
Vivace
121-140
En la actualidad, los metrónomos en su mayoría, son electrónicos. Los más simples consisten en un dial o una serie de botones para el control del tiempo, produciendo un solo tipo de sonido. Los metrónomos más sofisticados pueden producir dos o más tipos de sonidos para la marcación del tiempo. Por ejemplo, un tipo de sonido es para el inicio de cada compás, mientras que otro tipo de sonido es para cada uno de los tiempos que lo componen. Un controlador ajusta la cantidad el tiempo que separa cada sonido, mientras que otro ajusta el ritmo del compás, y por lo tanto el número de sonidos relacionados con los tiempos que hay en este.

viernes, 16 de mayo de 2014

EL CONCIERTO


Hasta el siglo XVII no se generalizó la costumbre de escuchar música exclusivamente instrumental, es decir, sin intervención de la voz humana. Hasta esa época la música era para voces y podían participar también instrumentos.
Las primeras piezas escritas para instrumentos solos a principios del siglo XVII adoptaron el nombre de sonata y podía tratarse de dos (clave y violonchelo) o de cinco siempre acompañado del bajo continuo.
Desde los comienzos de 1600 la música ya no fue privilegio exclusivo de la iglesia con sus coros, sino que la nobleza deseaba escucharla sin tener que asistir a los templos.  Así surgen los mecenas financiando o contratando a escritores y virtuosos ejecutantes para deleitarlos dentro de sus palacios, nace así la sonata da camera y la sonata da Chiesa.
Fue un compositor, gambista y cantante cremonés (Italia) llamado Claudio Monteverdi maestro de coro y director de la Catedral San Marcos de Venecia, que tuvo la idea de doblar la cantidad de instrumentos además de incorporar (porque no) la voz humana.
Esto creó la furia de la iglesia ya que con la colaboración del músico y escritor Alessandro Stringgio deciden ponerle música a un texto de este último, creando así la primera opera de la historia, que se llamo Orfeo, en ella participó lo que sería la primera orquesta de varios instrumentos musicales, dando nacimiento a la obertura.
Ya a mediados de 1600 había madurado la idea de incorporar varios instrumentos para apoyar a las cuerdas entre las que se empezaban a destacar los violines. El paso decisivo de concertar los violines (concertinos)con el resto de los instrumentos(ripienos) lo dieron los compositores Alessandro Stradella (1642-1682) y Arcangelo Corelli (1653.1713) es aquí donde nace el concerto grosso.
La fórmula divulgada por Corelli tuvo un éxito inmediato entre los compositores y los intérpretes de su tiempo, es así como Georg Muffat la divulga por toda Alemania, Francesco Gemianini la lleva con éxito a Inglaterra y Holanda.
Georg Friedrich Handel  quien utilizó la nueva fórmula para llevarla al grueso de la población sacándola de la iglesia y los palacios y dando nacimiento con su gran repertorio a la hoy llamada música barroca.
En este primer periodo de la vida del concierto propiamente dicho debemos situar junto a Corelli, Handel y Torelli a Tommaso Albinoni y al creador definitivo del concierto, inigualable compositor y violinista, Antonio Vivaldi quien impuso un estilo muy personal al concierto barroco, dando una pauta importante para los futuros compositores.

lunes, 21 de abril de 2014

LAS NOTAS MUSICALES


ACTUAL
LATIN
INGLES
ALEMAN
Do
Ut queant laxis    (Para que tus siervos)
C
C
Re
Re  sonare fibris  (Con cuerdas amplias)
D
D
Mi
Mira gestorum    (Hacer sonar puedan)
E
E
Fa
Famulti torum     (Lo admirable de tus gestas)
F
F
Sol
Solve polluti         (Quita del labio impuro)
G
G
La
Labii reatum         (La mancha)
A
A
Si
Sancte Iohannes  (Oh San Juan)
B
H
Si  bemol


B
Bemol

Flat

Sostenido

Sharp






Se conoce que Guido de Arezzo (995-1050)  monje benedictino italiano, teórico musical y figura central de la música de la Edad Media junto con Hucbaldo (840 - c. 930) Monje compositor y teórico francés. Colocó los nombres de las notas de la escala musical tomando la primera sílaba de cada hemistiquio y las dos iniciales del último verso de la primera estrofa del himno litúrgico en honor de San Juan Bautista.            Hucbaldo  propuso trazar líneas para aclarar la escritura musical.  Aunque fue el monje Guido D'Arezzo quien realizó la implementación definitiva de las líneas horizontales que fijaron las alturas del sonido y resuelve la notación musical acercándose al actual solfeo.
En el siglo XVIII se reemplazó la primera nota ut, que era poco sonora por la actual nota do. Hoy en día, la nota "ut" sólo se utiliza en el idioma alemán y en los Cantos Gregorianos.