EL CONCIERTO

Hasta el siglo XVII no se generalizó la costumbre de escuchar música exclusivamente instrumental, es decir, sin intervención de la voz humana. Hasta esa época la música era para voces y podían participar también instrumentos.
Las primeras piezas escritas para instrumentos solos a principios del siglo XVII adoptaron el nombre de sonata y podía tratarse de dos (clave y violonchelo) o de cinco siempre acompañado del bajo continuo.
Desde los comienzos de 1600 la música ya no fue privilegio exclusivo de la iglesia con sus coros, sino que la nobleza deseaba escucharla sin tener que asistir a los templos.  Así surgen los mecenas financiando o contratando a escritores y virtuosos ejecutantes para deleitarlos dentro de sus palacios, nace así la sonata da camera y la sonata da Chiesa.
Fue un compositor, gambista y cantante cremonés (Italia) llamado Claudio Monteverdi maestro de coro y director de la Catedral San Marcos de Venecia, que tuvo la idea de doblar la cantidad de instrumentos además de incorporar (porque no) la voz humana.
Esto creó la furia de la iglesia ya que con la colaboración del músico y escritor Alessandro Stringgio deciden ponerle música a un texto de este último, creando así la primera opera de la historia, que se llamo Orfeo, en ella participó lo que sería la primera orquesta de varios instrumentos musicales, dando nacimiento a la obertura.
Ya a mediados de 1600 había madurado la idea de incorporar varios instrumentos para apoyar a las cuerdas entre las que se empezaban a destacar los violines. El paso decisivo de concertar los violines (concertinos)con el resto de los instrumentos(ripienos) lo dieron los compositores Alessandro Stradella (1642-1682) y Arcangelo Corelli (1653.1713) es aquí donde nace el concerto grosso.
La fórmula divulgada por Corelli tuvo un éxito inmediato entre los compositores y los intérpretes de su tiempo, es así como Georg Muffat la divulga por toda Alemania, Francesco Gemianini la lleva con éxito a Inglaterra y Holanda.
Georg Friedrich Handel  quien utilizó la nueva fórmula para llevarla al grueso de la población sacándola de la iglesia y los palacios y dando nacimiento con su gran repertorio a la hoy llamada música barroca.
En este primer periodo de la vida del concierto propiamente dicho debemos situar junto a Corelli, Handel y Torelli a Tommaso Albinoni y al creador definitivo del concierto, inigualable compositor y violinista, Antonio Vivaldi quien impuso un estilo muy personal al concierto barroco, dando una pauta importante para los futuros compositores.

LAS NOTAS MUSICALES

ACTUAL	LATIN	INGLES	ALEMAN
Do	Ut queant laxis    (Para que tus siervos)	C	C
Re	Re  sonare fibris  (Con cuerdas amplias)	D	D
Mi	Mira gestorum    (Hacer sonar puedan)	E	E
Fa	Famulti torum     (Lo admirable de tus gestas)	F	F
Sol	Solve polluti         (Quita del labio impuro)	G	G
La	Labii reatum         (La mancha)	A	A
Si	Sancte Iohannes  (Oh San Juan)	B	H
Si  bemol			B
Bemol		Flat
Sostenido		Sharp

Se conoce que Guido de Arezzo (995-1050)  monje benedictino italiano, teórico musical y figura central de la música de la Edad Media junto con Hucbaldo (840 - c. 930) Monje compositor y teórico francés. Colocó los nombres de las notas de la escala musical tomando la primera sílaba de cada hemistiquio y las dos iniciales del último verso de la primera estrofa del himno litúrgico en honor de San Juan Bautista.            Hucbaldo  propuso trazar líneas para aclarar la escritura musical.  Aunque fue el monje Guido D'Arezzo quien realizó la implementación definitiva de las líneas horizontales que fijaron las alturas del sonido y resuelve la notación musical acercándose al actual solfeo.

En el siglo XVIII se reemplazó la primera nota ut, que era poco sonora por la actual nota do. Hoy en día, la nota "ut" sólo se utiliza en el idioma alemán y en los Cantos Gregorianos.

Nace la Gran Música

NACE LA GRAN MUSICA

Hasta La época del Renacimiento, la música había sido casi siempre, un arte de las voces, elegantemente decorado con el ropaje de algún instrumento. Hoy en día la historia se repite y la música popular vuelve a tener como protagonista a la voz humana.

Hasta finales del siglo XVI, los instrumentos rara vez se combinaban por grupos, es decir, no concertaban, siendo las primeras piezas conocidas las que escribieron en Venecia los Gabrieli.

Las primeras piezas escritas para instrumentos solos adoptaron el nombre de sonata y nacieron a principios del siglo XVII, eran de un reducido número de instrumentos generalmente de 2 a 5 en el que normalmente era un clave y un violonchelo, a medida que avanzó el siglo empezó a doblarse el número de instrumentos dando mucho mas realce a las partes de la sonata (3). Conjuntamente con el nacimiento del nuevo instrumento llamado violín, nace la viola y la idea de doblar nuevamente el número de instrumentos dando origen a la orquesta de cámara.

Es así como la sonata se divide en dos categorías, la sonata de Chiesa tocada dentro de las iglesias y la sonata de cámara mucho más extensa (6 movimientos) e interpretada  en salones privados pues no existían salones para tal efecto.

Monteverdi en 1607 estrena  la ópera Orfeo en la que audazmente incluye 40 instrumentistas  lo que agrada en gran medida  al público y despierta la idea en los compositores de formar la gran orquesta concertando los grupos de instrumentos, siendo el violín el que se destacaba del resto, nace así la sonata a secas.  

Pero no es hasta el el último tercio del siglo XVII  en que los compositores Alessandro Stradella y Arcángelo Corelli separan al grupo de instrumentos de cuerda encabezado por los violines del resto de la orquesta  creando dos bloques orquestales aparte con sus repectivos bajos continuos creando el  concierto grosso.

Esta modalidad se mantiene con gran éxito hasta el inicio de la época del barroco dando fama a músicos como Albinoni, Torelli por nombrar a los mas conocidos, esta experiencia es aprovechada por el compositor y virtuoso violinista además de sacerdote Antonio Vivaldi que creo en base a lo compuesto por Corelli , lo que hoy conocemos como el concierto aislando el o los violines del resto de la orquesta, con un inmenso y hermoso repertorio de melodías inolvidables.  Esta forma de concierto se expande por toda Europa, destacándose a compositores como  Häendel y J.S.Bach y Telemann.

A mediados de 1700 surge un nuevo innovador llamado Giuseppe Tartini que modifica parte de la estructura de Vivaldi conservado la estructura de tres tiempos  pero haciendo más flexible la participación del solista permitiéndole  que maneje el diálogo con la orquesta y permitiéndole que dibuje con improvisaciones de virtuosidad  sus partes de sólo. Es así como se da inicio al periodo del clasicismo.

En el clasicismo se destacan Johan Sebastian Bach y sus hijos, Joseph Haydn y el genio inconfundible de Mozart.  Estos genios le dan estructura definitiva a lo que hoy conocemos como, el concierto y la sinfonía.

Con el nacimiento del piano Mozart lo adopta como su instrumento preferido para los conciertos, sin olvidar que a sus 19 años escribió 5 conciertos para violín del que era un eximio interprete. Mozart es consciente  de la belleza  de efectos que se pueden agregar  con la participación de  instrumentos de madera y metal (oboes, fagots, trompas) creando como podríamos decir una sub-etapa del clasicismo, el romanticismo. 

A finales del siglo XVIII surge en Alemania un compositor que le dio la estructura solida y definitiva a nuestra GRAN MUSICA; Ludwig von Beethoven, con una reducida pero muy hermosa producción de conciertos (5 reconocidos para piano 1 de su juventud sin catálogo, 1 para violin, un triple violín, violonchelo piano y orquesta,)   nueve grandes sinfonías  de las que me faltan elogios para brindarle y un sinnúmero de sonatas y piezas de cámara.   Sería muy largo el comentario para dedicarle a otros compositores que solo se limitaros a seguir las estructuras que ya estaban cimentadas por  los maestros ya mencionados en cuanto a compositores.

Aunque breve el comentario desea orientar a quien lo desee sobre el origen de LA GRAN MUSICA que podemos disfrutar hoy en día.

LA ORQUESTA SINFONICA

(Pinche la imagen para agrandarla)

La orquesta sinfónica está compuesta  por un conjunto de instrumentos que pueden llegar a 100 divididos en familias que cuando tocan funcionan como un gran instrumento.

                     
Familia de las cuerdas:                                                                                                                                                      Compuesta por el violín (40), la viola (10), el violonchelo (12), el contrabajo (8) y ocasionalmente el arpa (1) y el piano (Cuerda percutida) (1) en los conciertos para estos instrumentos. 
Familia de los metales:                                                                                                                                                                       La trompeta (5), la trompa (6), los trombones tenores (3), los trombones bajos (2) y ocasionalmente la tuba (1).  
 Familia de las maderas:                                                                                                                                                                        El flautín (1), la flauta (2), el oboe (2), el corno inglés (1), el clarinete tenor (2), y el fagot (2). En la orquesta moderna es frecuente ver incluido el clarinete bajo, el contrafagot y saxofón, instrumento muy usado en las bandas de jazz.
Familia de percusión:                                                                                                                                                        Constituida principalmente por los timbales y ocasionalmente la caja pudiendo agregarse algunos mas conforme la obra y el director. (batería, campanas, caja, bombo, etc) 

Fue Haydn y Mozart   quienes realmente iniciaron el verdadero desarrollo de la orquesta sinfónica pero alcanzó su plena madurez con Ludwig van Beethoven, lo podemos comprobar al escuchar su 3ª Sinfonía Heroica con más de 100 músicos ejecutándola.

En capítulos anteriores me referí detalladamente al violín y el piano por ser ellos los principales instrumentos solistas en un concierto, sin dejar de lado que muchos compositores escribieron  conciertos para cada una de las restantes familias                                                                                                                     Director de orquesta                                                                                                                               El director de la orquesta cumple una función clave en la orquesta sinfónica, e incluso de la formación musical. Es una persona que no sólo mantiene el tiempo de la pieza y da las entradas de los instrumentos para que la interpretación sea coherente, sino que debe interpretar la partitura según el concepto “global”, manteniéndose fiel al espíritu original de la obra pero dando una visión personal. Para conseguirlo, debe conocer en profundidad la vida y obra de los compositores. El director no aparece en la orquesta hasta el siglo XIX, cuando realmente se establecieron los estándares de orquesta sinfónica, y surgió casi por motivos estéticos. Antes era el primer violín (concertino), el clavecinista u organista quien dirigía (continuista), y actualmente se encargan de afinar el conjunto y de la colocación del director dentro del campo visual de los intérpretes. El solista en las obras se sitúa junto al director.